miércoles, 27 de agosto de 2014

David Choe: Còmics, Càrcel y Salvaciòn

Escrito por Lucy Coker

Traducido por Pham Tran & Associates

Impulsivo and provocativo, David Choe es uno de los artistas callejeros màs celebras trabajando en la escena del arte in Los Angeles. Su obra, que èl defina como “estilo sucio,” es vibrante, chocante y imprudente, combinado con su vida fascinante, todos galerìas urbana en Los Angeles ahora buscan su obra.

Slow Jams

Nacido en Koreatown, L.A., David Choe siempre fue rodeado por arte urbano y callejero. Desde una edad temprana el deseo de Choe para crear simplamente emita en cualquier medio a la mano. Como un niño su sangrados nasales que gotearon a su bloc de dibujo se incorporarìan en su obra; la màquina fue su primero librero; los asientos de parque fueron lienzos de blanco para graffiti.

Despuès de abandonando la escuela de arte, las obras de Choe primero entraron la esfera pùblica a travès de la novela grafìca autopublicada, Slow Jams. Choe gorreaò un viaje en autòmovil a travès del paìs esparciendo copias, dàndolas a los vagos en la calle y ocultàndolas en baños pùblicos. La ùnica manera para poner sus manos en la obra fue esconder una en la calle. El èxito del còmic salvò a èl desde suicidio, y abriò oportunidades en la industria comercial y gràfico. Pronto Choe tenìa dinero suficiente para concentrar solamente en su propia obra y empezò creando murales y pinturas.

Tokyo y Las Manos Sucias

En 2003, Choe viajò al Tokyo y, debido a un mal entendido violento con una guardia de seguridad, fue ponido en el càrcel para 3 meses. Durante su tiempo en el càrcel sufrìa mentalmente y sin aceso a materiales de arte èl creò màs que 300 dibujos con residuos de pàpel, una sola pluma compartida con otros compañeros de celda, sangre, orina y cualquiere puede ponerlo sus manos. (Choe nunca se le permite regresar al Tokyo, pero ha logrado a exhibir a travès Upper Playground en 2010).

El càrcel da a Choe un sonido para despertarse. Al salir èl regresò a la escena de arte de Los Angeles como un Cristiano. Su arte ha convertido a una manera para liberar todos de sus pensamientos “sucios” como afirmado en Juxtapoz, “Me siento como mi arte es asco y ultrajado, y me siento como todas personas tienen esta criatura malvada asca dentro de ellos, sòlo quiero sacarlo. Es casi como un exorcismo para mì.”

Desde aquì la obra de Choe empieza a ser existoso en las galerìas de arte urbano de Los Angeles. Tambien, la publicaciòn del documentario “Las Manos Sucias: El Arte y Los Crìmenes de David Choe,” en 2008, creado por su amigo de la infancia, se estrenò en El Festival de Cine de Los Angeles en 2008.

La Escena de las Galerìas de Arte de Los Angeles

Hoy la obra de David Choe es muy buscada en las galerìas de arte de Los Angeles. Una plètora de celebridades frecuentemente llenan su galerìa de arte urbano. Ahora ha exhibido en galerìas de arte por todo el mundo y tiene obra en exhibiciòn en los dos la Casa Blanca y fue nombrado a hacer un mural de graffiti en la sede de Facebook.

Fuentes

“The Redemption of David Choe” por Matthew Newton publicado en Juxtapoz.

lunes, 25 de agosto de 2014

Pintura de Aerosol: Desde Herramienta Industrial a Medio de Bellas Artes

Desde el movimiento del graffti en Nueva York de los 1970s y la asenciòn de Jean-Michel Basquiat in los 1980s, la pintura de aerosol ha convertido apliamente aceptado en el mundo del arte. Sin embargo, la pintura de aerosol fue inventado primero como en herramienta industrial. Los usos primeros de pintura de aerosol ha sido trazado a los 1920s y posible màs temprano.

Bombardearando con Aerosol

El primero bote portàtil de pintura de aerosol fue formado como una bomba fusible del siglo XIX, que lo ganò el nombre “bomba de aerosol.” El cuerpo del bote fue hacido de acero pesado-calibre. Conocido como “el bote ZACO,” la primera pintura de aerosol emitò un aceite olor fètido. A diferencia de los botes de pintura de aerosol de hoy, la boquilla fue encendido and apagado por atornillando un pomo de latòn segùn y contrario a las manecillas del reloj.

La Segunda Guerra Mundial y Aerosol

La Segunda Guerra Mundial no solamente cambiò de puesto de la structura de poder internacional, pero tambien adelantò la avanza de la tecnologìa de aerosol. Las tropas Americanas fue enfermandas a Malaria y otras enfermedades transmitidas por insectos. En respuesta el gobierno creò un bote de aerosol pulsador, que fue usado como insecticida aerosol.

Aerosol en el Reino Domèstico: La Asenciòn de Krylon

El bote de aerosol pulsador finalmente fue usado en el reino domèstico para las insecticidas, la cera de coche, los ambientadores hogares y varios otros productos. En 1947, Krylon empieza usando el bote de aerosol pulsador para un aerosol acrìlico claro que fue usado para protectar obras del arte y anuncios de la impresiòn. Krylon finalmente convertiò al lìder innovador en la industria de aerosol. En 1952, Krylon adoptò un bote del aerosol de dos piezas, ligero sin costura lateral y no costura alta. Este diseño, adoptado desde Crown Holdings Inc., convertiò concido como el bote de aerosol pulsador hoy en dìa.

La Pintura de Aerosol en las Bellas Artes

Hoy gente no solamente usa la pintura de aerosol para usados comerciales y industriales, pero tambien para esfuerzos artìsticos. La pintura de aerosol ahora es un medio popular para no solamente artistas callejeros, pero tambien artistas en las galerìas de bellas artes contemporàneo.

Fuente

“History of Spray Paint” por Ian Sattler y Darrell y Ben Chapnick, publicado in Swindle Magazine.


Còmo el Cerebro Humano Mira al Arte (Parte 1): La Ley de Pico de Cambio

"Obey Giant" por Shepard Fairey
¿Còmo el cerebro humano descifra el arte? El neuròlogo reconocido, Vilayanur S. Ramachandran contende a tener la respuesta. Ramachandran ha desarrollado un conjunto de “Leyes Universales del Arte,” que intenta a explicar què papel evoluciòn y instinctas supervivencia juegan en còmo el cerebro humano descifra arte.

El Arte y Supervivencia

Los humanos usan sus habilidades visuales para detectar què necesitan ser conscientes para supervivencia. Sin embargo, ellos usan solamente una cantidad especifìca de atenciòn mental en los elementos màs importante de su entorno fìsico. Este es el base de la primera ley de Ramachandran, “pico de cambio.” Debido a los desarrollos evolutiva del cerebro humano para supervivencia, los seres humanos hallan estimulante cuando un artista representa caracterìsticas distorsionado o exagerado de un asunto.

Por ejemplo, cuando comiendo un filete, una persona usarà la mayorìa de su atenciòn mental en los elementos màs importante necesario para realizar la tarea. Estos elementos incluyen el filete, el tenedor y el cuchillo. Si la persona pone igual atenciòn visual a todas cosas en el entorno, comiendo el filete serìa difìcìl. El filete, el tenedor y el cuchillo mezclarìa en el entorno. La persona tendrìa dificultad discerniendo la diferencia entre la mesa, el piso, el plato, la servilleta, el cuchillo, el tenedor y el filete. Tal vez la persona tratarìa a comer la servilleta or el tenedor.

El Pico de Cambio y Arte Representacional

Muchos artistas usan el pico de cambio en sus obras representacional por representando solamente los elementos esenciales que es necesario para descifrar el asunto. Por ejemplo, la mayorìa de los artistas plantillas, como Banksy y Shepard Fairey usan solamente una silueta del asunto. En el “Obey Giant” de Fairey solamente los elementos de los ojos, la nariz, la boca y el pelo son representado con contraste con el color de fondo. Los detalles finos de la textura y color del piel son absente. Esta tècnica es eficaz porque permite comprensiòn ràpida del asunto sin tener a descifrar informaciòn extraña. Esta tambièn hace plantillas especialmente herramientas eficaz de arte callejero. 

En la otra mano, todos los estilos de arte representacional son limitado en capacidad para descifrar detalles. Entonces, todos estilos de arte representacional usan la ley de pico de cambio a un cierto grado. Por ùltimo, ni el càmara màs sofisticado ni el artista màs calificado puede reemplacer la vida “real.”

Fuentes
A Brief Tour of Human Consciousness by V.S. Ramachandran, publicado en 2004. 



miércoles, 20 de agosto de 2014

Las Dos Caras de Surrealismo: Illusionismo y Automatismo

El movimiento Surrealismo empezó en los 1920s tarde y los 1930s temprano como un movimiento literario. Surrealismo fue unificado abajo varias temas subyacentes. Estas incluye la importancia de los sueños, asociación libre y yuxtaposición, y énfasis en el ilógico. Eventualmente, las artistas visuales empezaron a emplear la filosofía y motivo Surrealismo. El movimiento de arte de Surrealismo consistía de dos métodos, Illusionismo y Automatismo.

Illusionismo

Illusionismo intentó a crear pinturas ensueña que usaban aspectos de realismo en un intento para recrear la calidad pseudo-realìstica de los sueños. Illusionismo usualmente incorporó aspectos de realismo, como anatomía y naturaleza muerta. Sin embargo, anatomía y los partes del cuerpo fueron usualmente exagerado y transformàdose. Muchas veces extremidades y apéndices fueron alargado. Cuerpos se aparecían a fundir en los planos de existencía, cuando objectos aparentemente no relacionado sería yuxtaponidos. Artistas conmúnmente logrado en esta rama del Surrealismo incluye, Savador Dalì y Yves Tanguy.

Automatismo

Automatismo fue creado directamente desde escritura automática, que fue una técnica principal del movimiento literario Surrealismo. En escritura automática, el autor escribe cualquier viene al mente sin consideraciòn a còmo abusrdo. Las palarbras fueron yuxtaponido sin conexiones lògicas, que se inspiraron la asociaciòn libre de Illusionismo de objetos aparentemente no relacionado. Sin embargo, a diferencia de Illusionism, Automismo ignorò las influencias de realismo y en cambio obtuvo influencia desde expressionismo y expressionismo abstracto. Algas artistas concido bueno fueron Joan Mirò y Andre Masson.

Surrealismo Hoy

La influencia del Surrealismo en el mundo del arte ha sido profundo con muchas artistas contemporaneas incorporando las ideas y tècnicas del movimiento. Varios movimientos subsecuentes del arte que han empezado son usando algos aspectos del Surrealismo hoy. Uno de estos movimientos es Surrealismo Pop que combina ideas del absurdo en el contexto de cultura popular.